‘El arte de lo cotidiano’, una exposición de Amazon

El maquillaje es mucho más que una herramienta de embellecimiento: es un juego, una máscara, un escudo y una forma de expresión. En Cobertura total los productos de maquillaje se descontextualizan sobre una delicada cabeza de porcelana, trazando un lenguaje inesperado donde los límites entre lo real y lo imaginado se desdibujan.

Aquí, los polvos iluminan donde no deberían, los labios aparecen en lugares insospechados y el delineador crea formas que no buscan perfección, sino sorpresa. Porque maquillarse no es solo cubrir, sino descubrir nuevas formas de verse, de jugar con la identidad y de transformar lo cotidiano en algo extraordinario.

Andrea Suárez nos invita a explorar el maquillaje como un arte en sí mismo, una herramienta de creatividad sin normas fijas ni barreras. En esta obra, la porcelana y el color se encuentran en un diálogo entre lo efímero y lo eterno, entre lo familiar y lo inesperado.

Cobertura total celebra la magia del maquillaje: no como una máscara que esconde, sino como una paleta infinita de posibilidades para reinventarnos cada día.

Es una escultura que parte de un objeto cotidiano –un organizador de madera para documentos– para transformarlo en un contenedor de experimentación artística. A través de la intervención con resina de distintos colores en cada compartimento sellado, la obra convierte un elemento funcional en una estructura vibrante y expresiva.

El color marrón del organizador refuerza su carácter de objeto predefinido, mientras que la reacción química de la resina desborda sus límites, simbolizando la intensidad y la fluidez de las emociones. Con esta pieza, Gemma Alpuente reinterpreta un elemento ordinario, alterando su función y materialidad para explorar nuevas formas de expresión artístic

Cuando nacemos, nuestro corazón está en blanco, pero nuestras experiencias dejan marcas que condicionan nuestra forma de ser y actuar. Jorge Morata materializa estas huellas emocionales a través de una serie de cuatro esculturas, invitando al espectador a reflexionar sobre el impacto de la sociedad, la tecnología y las relaciones en la identidad.

Materiales: escayola, acrílico, pilas, pigmento reflectante, componentes electrónicos, luz led y cinta americana.

Superautomático: las normas sociales y el entorno moldean nuestra identidad desde la infancia, muchas veces empujándonos a reprimir emociones para encajar. Superautomático representa la supresión de nuestras emociones y la pérdida de autenticidad que surge de la presión por encajar.

(Des)conectado: formada por CORAZON y CORAZOFF, esta obra dual representa la desconexión emocional como un mecanismo de defensa para escapar de la realidad y protegernos del impacto ante determinadas situaciones.

Virtual: da forma a la voz interior que nos guía en la toma de decisiones. La obra establece un paralelismo con los asistentes virtuales, como Alexa, mostrando que más allá de los circuitos y algoritmos, en su interior hay algo más profundo.

Efímero: inspirada en las obras de Morford y Cattelan en las que la fruta avanza hacia su descomposición, nos invita a reflexionar sobre la naturaleza de nuestras relaciones. Nos enganchamos a ellas rápidamente, y con fuerza, pero basta un cambio en las condiciones o una pequeña fuerza externa para que el corazón caiga sin dejar rastro en la pared, aunque se rompa en pedazos. La obra cambia cuando se observa a través del flash de la cámara, lo que da un especial sentido a su naturaleza efímera.

El jabón es más que un producto de limpieza. La pastilla de jabón es continente y contenido al mismo tiempo. Es el continente en potencia de la espuma, oculta y plegada. El agua la despliega, la fricción la desata. Mil veces comprimida, eclosiona en vacíos sucesivos para limpiar, suavizar, resbalar, espumar de forma sutil y fugaz. Sin peso ni forma, flota enclaustrada en la burbuja que lo es por el vacío que contiene, no por las paredes que la encierran. Esta espuma oculta el rostro, limpia la identidad, suaviza la mirada. Agua y jabón, jabón y agua, siempre se resuelven en espuma.

En esta obra, Luis Gaspar evoca la solemnidad de la estatuaria clásica y la confronta con la fragilidad de la espuma, que se convierte en una máscara fugaz. A través de su fotografía, el artista reflexiona sobre la transitoriedad de la imagen y la identidad, capturando el instante en el que lo visible se disuelve en lo efímero.

Mario Molina (Metatopy) se inspira en la luz del mar al atardecer para crear un diálogo entre lo industrial y lo natural, lo efímero y lo eterno. Sus instalaciones escultóricas combinan amaranto, una flor imperecedera que simboliza el ciclo vital a través de sus semillas comestibles, con aluminio, un material cotidiano cuya luminosidad y reflejos transforman la percepción del conjunto. Atraído por la fuerza visual del metal, explora su fusión con la textura orgánica del amaranto, generando una composición que juega con la luz y la materia.

Las obras son esculturas que emergen desde el suelo con una base de amaranto naranja, mientras que los detalles en aluminio aportan brillo y contraste, potenciando la presencia de la instalación en el espacio.

Palito Dominguín transforma objetos cotidianos en seres con identidad propia, explorando la frontera entre lo funcional y lo imaginativo. Inspirada en la capacidad de los objetos de convertirse en algo completamente nuevo cuando se miran desde otra perspectiva, la artista ha creado Turbino y Venturia, dos personajes que surgen a partir de productos que todos tenemos en nuestras casas.

En lugar de ver un secador y una batidora como simples electrodomésticos, los reinterpreta como protagonistas de un universo paralelo en el que los objetos y los seres se fusionan en una simbiosis perfecta. A través de materiales como arcilla polimérica, piezas de electrodomésticos y acrílico, dota a cada uno de personalidad y carácter, jugando con la imaginación y desafiando la percepción del espectador. Su obra invita a descubrir cómo lo cotidiano puede transformarse en arte y cómo los objetos que nos rodean contienen historias ocultas que solo esperan ser imaginadas.

Brillo y Fantasía juega con el lenguaje publicitario para crear una instalación de estética pop retrofuturista con referencias al diseño comercial contemporáneo. Su propuesta presenta un producto imposible: un bote vacío que contiene la esencia misma del arte. A través de este concepto, los artistas reflexionan sobre la relación entre arte y mercado, cuestionando los límites entre obra y producto y destacando el poder de la mirada del observador en su definición.

La instalación está compuesta por una serie de botes de EAPS en estanterías y un conjunto de cajas de Amazon intervenidas; cada una con su sonrisa característica, ha sido ilustrada con miradas que las hacen cobrar vida para dialogar con el espectador. Se completa con una ilustración de gran formato, que refuerza la identidad visual de la obra y evoca el diseño publicitario con un enfoque retrofuturista.

Esta intervención cuestiona cómo el arte puede presentarse como un producto y hasta qué punto el mercado condiciona su percepción. Una instalación lúdica que invita a reflexionar.

Una oda a la experimentación, donde texturas orgánicas y sintéticas se entrelazan en un inesperado baile de color. La obra celebra la fuerza de la combinación de elementos dispares, fusionando materiales de base y acabado desigual en una composición vibrante.

Un estropajo, un objeto cotidiano, cobra protagonismo más allá de su función habitual, incorporándose a la pieza no solo como medio, sino como elemento expresivo central. Su presencia aporta profundidad y carácter, destacando sobre una paleta dominada por tonos verdes y azules. Prensado sobre el lienzo, actúa como una base de color y textura, sobre la que se aplica un sutil acabado de resina, creando un juego visual entre lo crudo y lo refinado.

Esta obra de Ana Salas representa una doble conexión en nuestras vidas. Por un lado, la que existe entre los seres humanos: diferentes e imperfectos, pero unidos por elementos comunes. Las formas marcan nuestra distinción, pero en esencia y componentes somos todos iguales. Por otro, el vínculo inevitable con la tecnología, tan integrada en nuestra existencia que se mimetiza con nosotros.

Además, la obra evoca un sentido de nostalgia, recordando la velocidad con la que la tecnología avanza y cómo estos auriculares, alguna vez imprescindibles, han pasado a ser casi reliquias del pasado.

Un vestido de alfombra roja que transforma un material cotidiano en una pieza de alta costura. El cuerpo está revestido con papel higiénico drapeado a mano, creando volumen y dimensión, mientras que la falda, compuesta por flores de papel cosidas una a una, aporta una textura etérea y sofisticada.

Inspirado en la belleza de lo cotidiano, el diseño celebra lo efímero, lo frágil y la capacidad de lo ordinario para volverse extraordinario. Acompañando la pieza, unos pendientes creados a partir de plásticos reciclados completan el conjunto. Con esta obra, Carmen Farala reinterpreta la moda como un arte que desafía los límites de los materiales y la percepción de lo que puede ser lujo.

Evoca la llegada de la primavera a través de una composición vibrante que simboliza el paso del invierno a la renovación. La obra parte de un icónico edificio de Madrid en blanco y negro, representación de una ciudad aún dormida, alrededor del cual estalla un torrente de flores de colores que transforman el paisaje.

Para reflejar el dinamismo de esta estación, incorpora imágenes vintage de deportes al aire libre, como tenis o bádminton, aportando un toque nostálgico y elegante.

El resultado es una pieza que combina tradición y modernidad, naturaleza y urbanismo, capturando el espíritu renovador y enérgico de la primavera.

La obra representa la materia en movimiento, explorando aquello que nos rodea pero no siempre podemos percibir a simple vista. Las formas negras en desplazamiento evocan la energía en constante transformación, mientras que los clavos y la cuerda, elementos estáticos, simbolizan la resistencia al paso del tiempo. Estos contrastes añaden profundidad a la pieza, incorporando un nuevo plano dentro de la composición.

MAMÁ LIMÓN

Tania Llasera fusiona los colores vibrantes de España con la frescura de los limones, en un abrazo simbólico con Amazon. Inspirado en la frase “Si la vida te da limones, haz limonada”, representa la importancia de la actitud ante las dificultades y un cambio de paradigma en la visión de la maternidad.

NARANJAS UNIDAS

Naranjas unidas es un homenaje personal a Valencia y su resiliencia, destacando la importancia de mantenerse unidos en tiempos difíciles.

POMPAS DE CAFÉ

Pompas de café evoca las eternas sobremesas mediterráneas, donde las conversaciones y las risas fluyen alrededor del café. Pintado con café real, invita a acercarse y oler su esencia.

VERANO CONSERVADO

Con ‘Verano conservado’ Tania hace una oda a las infinitas vacaciones, a un verano en el Mediterráneo bajo un sol intenso… Una oda al relax, al mantel de papel que acompaña las sobremesas eternas, las risas, y los buenos espetos. Un verano español y cotidiano, pero aun así perfecto.

En Pequeños placeres, Patricia Martín transforma los gestos cotidianos en pequeñas obras de arte enmarcadas, elevando la belleza de lo simple. A través de su trazo, captura momentos íntimos y cotidianos, desde el disfrute de la rutina en el hogar, como cocinar, hasta la alegría de compartir tiempo con su mascota, siempre acompañada de música. Su obra es un homenaje a esos instantes de calma y felicidad que encontramos en lo cotidiano, recordándonos el valor de la sencillez y la importancia de disfrutar el día a día.